{"id":8480,"date":"2026-10-01T10:01:28","date_gmt":"2026-10-01T10:01:28","guid":{"rendered":"https:\/\/www.mareartproject.com\/?p=8480"},"modified":"2026-10-07T11:46:54","modified_gmt":"2026-10-07T11:46:54","slug":"la-mostra-oracoli-al-di-la-del-mare-a-villa-medici","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/la-mostra-oracoli-al-di-la-del-mare-a-villa-medici\/","title":{"rendered":"La mostra Oracoli al di l\u00e0 del mare a Villa Medici"},"content":{"rendered":"
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Ingresso Mostra Oracoli al di l\u00e0 del mare, 18 giugno - 7 settembre 2026, Villa Medici, photo by Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Promozione Villa Medici, Accademia di Francia a Roma 2025-2026\n

Mostra a cura di Imma Tralli e Roberto Pontecorvo (Marea Art Project)\n

Curatrice associata: Camille Coschieri\n<\/h4>\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t

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Borsist\u0259: Alia Bengana, Arianna Brunori, Diaty Diallo, Marin Fouqu\u00e9, Elitza Gueorguieva, Camille L\u00e9vy Sarfati, Hugo Lindenberg, Giulia Lorusso, Paul Maheke, Randa Maroufi, Marie-Claire Messouma Manlanbien, Farnaz Modarresifar, Baptiste Pinteaux, Enrique Ram\u00edrez, Ben Russell e Thu-Van Tran.<\/span>
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<\/span>Artist\u0259 invitat\u0259: Nastasia Alberti, Jacques Kaufmann, Adriano Tramontozzi e Alice Visentin.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Ben Russell, Le fant\u00f4me souriant (2026), 2 x 30\u2019, S16 mm su video, suono, LED. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Oracoli al di l\u00e0 del mare<\/span><\/i> nasce dal desiderio di rievocare le esperienze che l\u0259 borsist\u0259 di Villa Medici hanno attraversato nel corso della residenza a Roma, preludendo al suo atto conclusivo rappresentato dalla mostra che siamo stat\u0259 invitat\u0259 a curare. Esercizio tanto pi\u00f9 arduo in quanto, nel momento in cui abbiamo dovuto immaginare la mostra, la maggior parte dei lavori era ancora nel pieno del processo di creazione. La mostra, dunque, si configura come il nostro tentativo di far coesistere un\u2019eterogeneit\u00e0 di voci in uno spazio fluido e imprevisto. Diventa un invito all\u0259 borsist\u0259 a incontrarci in un rituale comune, attraverso la messa in circolo di genealogie, pratiche e ricerche talvolta molto diverse tra loro, in una tensione costante tra il personale e il collettivo, il poetico e il politico. \u00c8 anche un invito al pubblico a lasciar accadere, immaginando ciascuno dei lavori presenti come oracoli o sibille da consultare, senza pretendere risposte univoche, ma accogliendo visioni, presagi e domande capaci di trasformare il proprio sguardo. \u00c8 una chiamata a coltivare una diversa logica del reale e a transitare tra mondi, entrando a far parte di uno spazio dove ogni gesto e ogni storia si fanno canto, segno o soglia. <\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Tra le esperienze che hanno costellato l\u2019anno, la Notte Bianca del novembre 2025, ribattezzata dall\u0259 borsist\u0259 Notte Nera, ha rappresentato certamente un momento essenziale nel loro percorso: attraverso installazioni, concerti, performance, proiezioni e letture tra l\u2019edificio e i giardini storici della Villa, l\u0259 borsist\u0259 hanno presentato per la prima volta insieme le loro ricerche e creazioni, manifestando il loro sostegno al popolo palestinese e alle \u00abcollegh\u0259 artist\u0259 che creano, resistono, in luoghi assediati, saccheggiati, distrutti; dal cuore dello sradicamento o dell\u2019esilio\u00bb, ma con la volont\u00e0 di \u00abcontinuare a costruire archivi della memoria, a tessere narrazioni alternative, a circondarci delle voci di chi non c\u2019\u00e8 pi\u00f9 e della presenza di chi ancora vive\u00bb<\/span>. L\u2019evento \u00e8 stato preceduto da un momento eccezionale nella storia recente, accaduto proprio nelle settimane in cui l\u0259 borsist\u0259 sono arrivat\u0259 in residenza a Roma, quando centinaia di migliaia di persone hanno inondato le piazze italiane in una storica mobilitazione internazionale<\/span>, in supporto alla Global Sumud Flotilla, la cui azione attraverso il mare ha catalizzato l\u2019attenzione del mondo.\u00a0<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Manifestazione per la Palestina e contro il genocidio. Roma, 22 settembre 2025 (Cecilia Fabiano, LaPresse) Fonte: internazionale.it <\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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\u00c8 a partire da queste premesse che l\u2019ispirazione per il titolo di questa mostra prende forma. Richiama nello specifico\u00a0 un\u2019esperienza personale<\/span>: il nostro incontro a Ramallah con l\u2019artista e attivista palestinese Vera Tamari (Gerusalemme, 1945), figura centrale per il suo impegno nella creazione di movimenti artistici legati alla resistenza del popolo palestinese. Mentre ci raccontava del suo lavoro, un\u2019immagine ci \u00e8 risuonata come eco imprevista. Era <\/span>Oracles from the Se<\/span><\/i>in <\/span><\/i>(1998): un\u2019installazione di volti in argilla che riaffiorano dalle rive di Giaffa, la cosiddetta Sposa del Mare. In quei volti<\/span> abbiamo sentito emergere un mondo di genealogie e cosmologie antiche, dove il senso di continuit\u00e0 della creazione e dell\u2019incessante impulso alla vita resistono a ogni tentativo di oppressione. <\/span>Una ballata malinconica<\/span> che entra in relazione con la vita del litorale, un corpo vivo e arcaico, come le stesse terre emerse; quel luogo che la biologa marina Rachel Carson definisce \u00abil luogo primordiale dell\u2019incontro tra gli elementi della terra e dell\u2019acqua, un luogo di compromesso, conflitto ed eterno mutamento\u00bb<\/span>.\u00a0 <\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Oracles from the Sea (1998), Coste di Jaffa (Courtesy Vera Tamari).<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Attraverso i lavori in mostra, che spaziano dalle arti visive e performative alla musica, dalla curatela alla storia e teoria delle arti, fino alla letteratura e all\u2019architettura, ci teniamo a dare rilievo alle ricerche che l\u0259 borsist\u0259 hanno sviluppato in questo anno di residenza a Villa Medici, assumendo la trasformazione come pratica quotidia<\/span>na. Con<\/span> il prezioso supporto dell\u2019\u00e9quipe, hanno potuto invitare ospiti internazionali, proponendo performance, concerti, proiezioni di film, letture e assemblee, unendo le loro esperienze incarna<\/span>te con quelle di altre studios<\/span>\u0259<\/span>. <\/span>La Villa stessa \u00e8 stata spazio di speriment<\/span>azione e di creazione di nuovi saperi. I lavori presenti sono anche il risultato di questo percorso. Alcuni hanno trovato la loro forma in opere finite, altri rivelano invece un processo in corso.\u00a0<\/span><\/p>

Ci sono lavori che conducono tra gli interstizi di storie che, dal nord dell\u2019Occidente, rivolgono lo sguardo verso Roma, con le sue atmosfere atemporali, le sue rovine e le sue stratificazioni storiche; altri guardano verso il territorio italiano, aprendo al contempo ad altre geografie, riconnettendosi a storie provenienti da Abya Yala<\/span>, dall\u2019Africa, dall\u2019Asia, svelando quella che la filosofa Gayatri Chakravorty Spivak definisce violenza epistemica; quella violenza che il colonialismo e l\u2019imperialismo ha perpetrato e continua a perpetrare sui sud del mondo<\/span>, deumanizzando e razzializzando i popoli con sistemi di potere necrop<\/span>olitici<\/span>. Aprono alla possibilit\u00e0 di riattivare memorie, celebrando la coesistenza con l\u2019invisibile e il regno dei morti. Una porosit\u00e0 che con alcun\u0259 di loro abbiamo vissuto insieme durante una giornata di studi a Napoli, quando nell\u2019ipogeo della Chiesa di Santa Maria delle Anime del Purgatorio ad Arco abbiamo scoperto l\u2019antico culto popolare delle \u2018anime pezzentelle\u2019<\/span>. <\/span>
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<\/span>Tra i lavori in <\/span>mostra, ci sono anche opere che<\/span> danno forma a un immaginario sommerso che persiste con i suoi racconti e i suoi riti, in continuit\u00e0 con un sapere magico e mitico, preesistente al capitalismo estrattivo ed eteropatriarcale. Ci riportano in un luogo dove \u00e8 ancora possibile tessere il filo che unisce le diverse storie, oltre i limiti dello spazio-tempo<\/span>. Altre opere raccontano invece di streghe e di divinit\u00e0 ctonie provenienti da abissi infestati, rivendicando il potere di donne che agiscono come tessitrici della memoria, per dirlo con le parole della filosofa Silvia Federici<\/span>. In un intreccio di voci e suoni, restituiscono al gesto artistico una dimensione rituale, diventando cos\u00ec luoghi da cui rievocare un universo di relazioni, creando spazi di cura reciproca, a partire dal corpo, dalle sue tensioni, ma anche dalle pulsioni e dai desideri che lo attraversano. Ci sono altres\u00ec lavori che ci introducono in mondi misteriosi e alchemici, invitandoci ad abitarli in un\u2019interrelazione con gli esseri viventi e non.<\/span><\/p>

\u00c8 in questa trama di pratiche e posture che si iscrive l\u2019esperienza della residenza a Villa Medici. Per l\u0259 borsist\u0259 ha implicato l\u2019entrare a far parte di un corpo animato, dove personale e professionale, passato e presente coesistono e si pongono in questione. Un corpo dove intimo e collettivo si confondono nella circolazione di spazi, pensieri, emozioni e ambizioni, ma anche di debolezze e di paure, generando momenti di conflitto, di vulnerabilit\u00e0 e di dissonanze, accentuati dalla tensione di abitare un\u2019istituzione. Allo stesso tempo, ha significato sperimentare il tentativo comune di non neutralizzare il privilegio e il potere che l\u2019istituzione assegna, ma \u00abdi visibilizzarlo, di metterlo in discussione, di aprire uno spazio di parola partecipativo per capire insieme come usarlo e non agirlo\u00bb (Rachele Borghi 2020)<\/span>. Un processo di coscienza critica che sentiamo di aver percorso insieme a loro, assumendo i nostri posizionamenti e le contraddizioni che questo percorso ha comportato, mantenendo il dialogo costantemente aperto e amplificando lo spazio dell\u2019ascolto e dell\u2019incontro. Uno spazio quanto pi\u00f9 urgente che con alcun\u0259 di loro abbiamo abitato insieme, penetrando nel tessuto sociale e culturale della citt\u00e0 di Roma e muovendo i nostri corpi verso il Sud Italia, alla ricerca delle sue ritualit\u00e0 magiche. <\/span>
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<\/span>Oracoli al di l\u00e0 del mare<\/span><\/i> \u00e8 anche un\u2019ode che unisce i corpi in un flusso armonico con il cosmo. Intrecciamo allora lacrime e desideri come canti d\u2019amore e di rivolta, affinch\u00e9 si unisca alle voci che riecheggiano in questo catalogo e renda trasformativo il vostro passaggio lungo le sale della mostra.<\/span><\/p>

I testi che seguono rievocano le opere qui riunite. Nel tentativo di orientarne la ricezione, le abbiamo disposte secondo una traiettoria narrativa che non corrisponde alla loro collocazione fisica negli spazi espositivi, ma ne suggerisce e fa emergere possibili risonanze e attraversamenti. Non intende tuttavia indicare un percorso unico, bens\u00ec offrire una soglia di accesso.\u00a0<\/span><\/p>

Tra i lavori presenti, incontriamo il progetto di ricerca dell\u2019artista e regista Randa Maroufi: un\u2019indagine filmica sulle pratiche del lavoro nelle industrie conserviere di acciughe nel Mediterraneo. Attraverso l\u2019intersezione tra ecofemminismo, colonialismo e lotte sociali, la sua ricerca esplora in che modo il processo creativo e l\u2019opera stessa possano agire come forma di resistenza collettiva. Concepito in tre temporalit\u00e0, il film si svilupper\u00e0 attorno alla lavorazione dell\u2019acciuga, mettendo in tensione gli spazi della produzione e quelli del consumo. Un coro di memorie, gesti e presenze compone una narrazione stratificata del lavoro femminile e del tema migratorio, portando alla luce corpi e movimenti solitamente tenuti fuori campo.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Randa Maroufi, progetto di ricerca Femmes toutes mains (2026), Video, fotografia a colori. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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L\u2019eredit\u00e0 coloniale si imprime sul paesaggio, trasmutando la natura in archivio vivente, nel lavoro dell\u2019artista visiva Thu-Van Tran, la cui pratica artistica intreccia il poetico e il politico per interrogare il presente. Con <\/span>Au couchant, Au levant<\/span><\/i> (2022), fotogrammi che conservano l\u2019impronta di foglie di hevea raccolte dall\u2019artista nelle ex piantagioni Michelin in Vietnam e Ford in Amazzonia, emerge un\u2019immagine eterea e fugace al contempo. L\u2019albero della gomma diventa un emblema ambivalente: risorsa e strumento di dominio, segno tangibile dell\u2019espansione coloniale, ma anche portatore di una forza vitale. Il lattice scorre come una lacrima, o un dono, evocando insieme la forza spirituale e la persistenza del vivente.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Thu-Van Tran, Au couchant, Au levant (2022 \u2013 2024), Fotogramma, impronte di foglie di albero della gomma su carta Fujiflex. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Se la terra conserva i segni dell\u2019occupazione, i manufatti sottratti ne diventano testimonianza, configurandosi come reliquie silenziose. Lo vediamo ne <\/span>La mirada que permanece<\/span><\/i> dell\u2019artista e cineasta Enrique Ram\u00edrez, la cui ricerca si sviluppa attorno a una piroga yag\u00e1n, rubata nel 1893 all\u2019estremo sud del Cile. Questa imbarcazione, appartenente ai popoli autoctoni della Patagonia cilena e argentina, \u00e8 conservata da oltre centrotrenta anni nei depositi del Museo delle Civilt\u00e0 di Roma. Tra movimento e reclusione, memoria e presente, l\u2019artista evoca le storie delle comunit\u00e0 della Patagonia attraverso immagini di \u201czoo umani\u201d, fotografie di esilio, un film e una scultura sonora. Quest\u2019ultima, composta da semi di alberi autoctoni e pallottole di piombo, rimanda alle munizioni Remington utilizzate per sterminare queste popolazioni, collegando cos\u00ec il passato alla resistenza contemporanea.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Enrique Ram\u00edrez, La mirada que permanece (2026), Fotografie d\u2019archivio, Film Super 8. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Dalla riflessione sulle tracce materiali dell\u2019espropriazione coloniale, ci apriamo alla dimensione collettiva della memoria, che vede nel rito uno spazio di trasmissione e resistenza. Un discorso che entra in risonanza con il progetto di ricerca della curatrice e autrice Camille L\u00e9vy Sarfati che a Villa Medici presenta alcuni elementi di un<\/span> percorso artistic<\/span>o, politico e intimo condotto negli ultimi dieci anni attorno al rito come spazio di lotta contro le forze (colonialiste e nazionaliste) della cancellazione. Immagini, testi e suoni costituiscono qui un atlante alternativo, pienamente soggettivo, che rende visibile una <\/span>tela<\/span> di solidariet\u00e0, pensieri e pratiche. Durante la sua residenza, L\u00e9vy Sarfati ha riunito una quindicina di artiste e militanti per immaginare collettivamente un\u2019Assemblea pluriversale itinerante incentrata sulle interazioni tra arte, rito e politica. Da questa contro-cartografia, ancora incompiuta, emerge la figura fortemente politica della Madonna di Trapani, celebrata in una processione multisituata e multireligiosa dalla Sicilia alla Tunisia.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Camille L\u00e9vy Sarfati, progetto di ricerca sauver la poussi\u00e8re, r\u00e9pandre la graine. et que nos m\u00e8res soient dignes et fi\u00e8res (2026), fotografie, video, testi e oggetti. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Il rito diventa liturgia del dolore, dove voce e memoria trasformano la perdita in un atto poetico, in <\/span>Dans ses yeux d\u2019alb\u00e2tre<\/span><\/i> della compositrice, suonatrice di santur e poetessa Farnaz Modarresifar. Per Villa Medici, propone una traccia audiovisiva pi\u00f9 personale tratta dal progetto iniziale della sua opera per orchestra e coro, originariamente ispirata all\u2019<\/span>Oedipus Rex<\/span><\/i> di Igor Stravinsky. Modarresifar intesse un legame tra musica e testo in una riscrittura della tragedia di Edipo, mettendola in risonanza con la sua esperienza autobiografica e con il dolore legato alle violenze inflitte al popolo iraniano nel gennaio 2026. L\u2019accecamento di Edipo diventa qui una metafora dello sguardo e delle sue fratture, dove gli occhi occupano un ruolo centrale, tra percezione, disvelamento e scomparsa; motivo che attraversa la cultura persiana e che nutre il suo lavoro. A ci\u00f2 si aggiunge un nucleo visivo composto da testi e fotografie realizzate dall\u2019artista negli spazi della Villa e in musei e luoghi della citt\u00e0 di Roma.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Farnaz Modarresifar, Dans ses yeux d\u2019alb\u00e2tre (2026), installazione fotografie e videoinstallazione. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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L\u2019elemento mitologico e corale diventa un\u2019esperienza immersiva in cui il femminile magico riattiva forze ancestrali con <\/span>Cercle<\/span><\/i>, l\u2019installazione sonora della compositrice Giulia Lorusso, concepita come eco di un pi\u00f9 ampio dittico per sedici voci. Partendo dalla metafora del cerchio come simbolo di ciclicit\u00e0, di morte e rinascita e di trasformazione, <\/span>Cercle<\/span><\/i> si ispira al mito della maga Circe e al potere profondamente trasformativo dell\u2019immaginario femminile. Fra discesa e riemersione, un insieme di voci abita lo spazio, concepito come un luogo di passaggio che collega metaforicamente il mondo di sotto al mondo di superficie. \u00c8 in questo tempo transitorio che un rituale d\u2019ascolto prende forma, fra entit\u00e0 ctonie che emergono dalle viscere della terra e guidano l\u2019attraversamento di uno spazio liminale.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Giulia Lorusso, ensemble Les M\u00e9taboles, Cercle (2026), concerto a cappella nel Grand Salon della Villa, a completamento dell\u2019installazione sonora presentata in mostra. <\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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La dimensione circolare ritorna, passando dal potere evocativo del mito a quello trasmutativo dell\u2019alchimia, dove saperi e visioni ridefiniscono il rituale come pratica di conoscenza. Lo esperiamo con <\/span>Teatro Alchemico<\/span><\/i>, l\u2019installazione nata dalla collaborazione tra la filosofa e teorica dell\u2019arte Arianna Brunori e l\u2019artista visiva invitata Alice Visentin (Italia, 1993). A partire dalla metafora del teatro, immagine centrale con cui la Modernit\u00e0 ha pensato il mondo, e dal <\/span>Theatrum chemicum<\/span><\/i>, raccolta seicentesca di testi alchemici, l\u2019opera restituisce l\u2019esperienza di studio di questo immaginario misterioso. Tra figure allegoriche, linguaggi segreti e strane creature, il pubblico \u00e8 invitato a girare attorno all\u2019opera, sbirciando dall\u2019esterno. Attraverso un ambiguo processo di disvelamento, ci\u00f2 che appare enigmatico rivela una sorprendente familiarit\u00e0: quei simboli sono gli stessi che continuano ad animare i nostri sogni.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Arianna Brunori e Alice Visentin, Teatro alchemico (2026), installazione con tessuto e struttura in alluminio. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Con <\/span>Myriades,<\/span><\/i> l’artista visiva Marie-Claire Messouma Manlanbien ci conduce in immaginari cosmologici. Durante la residenza, l\u2019artista si \u00e8 concentrata sullo studio dei tessuti, come le tovaglie di Perugia, e sulle piante medicinali mediterranee. Da queste ricerche, sono nati abiti e ornamenti di alta sartoria, visibili attraverso La Maison Messouma, e un\u2019installazione composta da arazzi cosparsi di elicriso, elementi in ceramica e pietre curative, collocata in uno spazio in cui coesistono il rapporto con l\u2019Altro, la cura, il corpo e il nostro ambiente. Da questa installazione emerge una coreografia in cui memorie e genealogie matrilineari si intrecciano per tessere nuove visioni.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Marie-Claire Messouma Manlanbien, Myriades (2026), tessuto, ceramica, piante d\u2019elicriso. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Il corpo diventa uno spazio-tempo in cui s\u2019iscrivono ferite e memorie nel lavoro dell\u2019autrice e performer Diaty Diallo e della fotografa e archivista invitata Nastasia Alberti che portano avanti, da quasi vent\u2019anni, un dialogo fotografico intuitivo e frammentario, attorno ai volti e ai corpi dell\u2019una e dell\u2019altra, e delle donne che le circondano. Le fotografie e gli estratti di interviste dell\u2019opera <\/span>Do you really want to be the one to fight?<\/span><\/i> costituiscono un infra-racconto delle vulnerabilit\u00e0, delle sofferenze invisibili e dei sintomi – all\u2019origine dei quali vi sono violenze sistemiche – e riaffermano l\u2019importanza di lasciare traccia per costruire un archivio delle parole dominate.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Diaty Diallo e Nastasia Alberti, Do You really want to be the one to fight? (2026), videoistallazione. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Un campo di forze e di tensione performativa prende forma invece con <\/span>Gancio<\/span><\/i> dello scrittore, poeta e performer Marin Fouqu\u00e9. Proseguendo il suo lavoro di ricerca attorno alle rappresentazioni della mascolinit\u00e0, articola questa volta un\u2019installazione sonora. Appassionato di boxe, durante la sua residenza a Roma ha frequentato La Palestra Indomita e la Palestra Popolare di San Lorenzo. Da queste sessioni \u00e8 nato un testo sulla violenza e il genere, registrato dall\u2019autore, tradotto in italiano e diffuso in due lingue all\u2019interno di un sacco da boxe. \u00c8 un invito ad avvicinarsi al sacco e a entrare nel corpo.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Marin Fouqu\u00e9 e Adriano Tramontozzi, Gancio (2026), Installazione sonora e testuale, sacco e guanti da boxe. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Il tema del corpo e dell\u2019identit\u00e0 di genere ritorna nel progetto di ricerca dello storico dell\u2019arte, editore e curatore Baptiste Pinteaux, dedicato al lavoro fotografico di PaJaMa, trio di artisti statunitensi formato da Paul Cadmus, Jared French e Margaret Hoening French. Tra il 1937 e la met\u00e0 degli anni Cinquanta, i tre si mettono in scena sulle spiagge di Fire Island e Provincetown, nel loro studio a Manhattan e in Italia, circondati dai loro amanti, modelli e collaboratori, per lo pi\u00f9 uomini omosessuali. Queste visioni oniriche celebrano un immaginario sensuale e luminoso, in dialogo con il Rinascimento italiano, e raccontano il loro desiderio di sperimentare insieme nuove geometrie affettive.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Baptiste Pinteaux, progetto di ricerca PaJaMa (2026) - Paul Cadmus (1904-1999), Jared French (1905-1988), Margaret Hoening French (1906-1998), serie fotografica. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Elitza Gueorguieva, scrittrice, performer e regista di documentari, invece, gioca sul tragicomico per interrogare l\u2019identit\u00e0 e l\u2019eteronormativit\u00e0. Durante la sua residenza, ha proposto letture musicali burlesque e poetiche e ha presentato il suo film <\/span>Chaque mur est une porte<\/span><\/i> al Festival di Film della Villa. Per il suo ultimo romanzo, si ispira alla sua esperienza personale di candidata per la naturalizzazione francese, cos\u00ec come al percorso di una certa R. M., la cui richiesta di naturalizzazione era stata respinta nel 1939. La sua indagine diventa uno specchio di identit\u00e0 sospese, tra memoria individuale e memoria collettiva, tra marginalit\u00e0 e appartenenza.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Elitza Gueorguieva, Nos langues maternelles chant\u00e9es dans un jardin (2026), videoinstallazione. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Cambiando registro, tra i lavori in mostra, incontriamo la nuova serie <\/span>Les Ombres des gisant\u00b7e\u00b7s se tiennent<\/span><\/i> debout<\/span><\/i> dell\u2019artista visivo Paul Maheke, composta<\/span> di opere monumentali realizzate con l\u2019aerografo su tessuto. Esito delle ricerche sulla statuaria funeraria e sulle effigi di figure giacenti raccolte negli archivi dell\u2019Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione, nei cimiteri romani e nelle catacombe etrusche, il lavoro ci introduce in un ambiente dove figure evanescenti e talvolta inquietanti si ibridano, in una sospensione tra veglia e sonno. Sono presenze fantomatiche che abitano lo spazio della mostra, indagando il modo in cui i morti persistono tra noi e come l\u2019immagine possa diventare un luogo in cui l\u2019invisibile si manifesta.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Paul Maheke, Les ombres des gisant.e.s se tiennent debout - figures noires, (2026). Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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La dimensione corale lascia il passo all\u2019intimit\u00e0 della perdita connessa al lutto, trasfigurando l\u2019architettura in corpo memoriale ne <\/span>La tour Montparnasse est ma m\u00e8re et l\u2019h\u00f4tel Pullman mon p\u00e8re<\/span><\/i> dello scrittore e psicologo clinico Hugo Lindenberg che esplora il medium cinematografico attraverso un\u2019opera di finzione al tempo stesso letteraria e visiva. Un giovane ragazzo vaga per le strade di Parigi alla ricerca del fantasma di sua madre, che crede di riconoscere nella torre Montparnasse, la cui sagoma scura domina il quartiere. Immagina allora che le persone che ama, alla loro morte, diventino degli edifici. Questa fl\u00e2nerie, sotto forma di film-saggio tra le strade del quattordicesimo arrondissement di Parigi, \u00e8 un documentario poetico sul lutto e sulle sue rappresentazioni.\u00a0<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Hugo Lindenberg, La tour Montparnasse est ma m\u00e8re et l\u2019h\u00f4tel Pullman est mon p\u00e8re (2026), videoinstallazione. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Se la coesistenza con l\u2019invisibile trasforma gli edifici in presenze familiari, l\u2019intera citt\u00e0 diventa allora scenario e arazzo di storie e fantasmagorie nell\u2019installazione audiovisiva non fiction <\/span>Le fantome souriant<\/span><\/i> del cineasta e musicista Ben Russell. Allo stesso tempo proiezione in situ e lavoro di ricerca per un lungometraggio di finzione, quest\u2019opera reinterpreta le rovine contemporanee di Roma attraverso gli occhi e le orecchie di un fantasma. Dai passaggi sotterranei archeologici e dai resti materiali della storia romana ai centri sociali autogestiti, l\u2019opera esplora il modo in cui il presente trasforma e riabita il passato. Girato principalmente in 16 mm in bianco e nero, tra tunnel, manifestazioni, concerti e rovine, si delinea un ritratto di un\u2019epoca in cui il personale e il politico si sovrappongono.<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Ben Russell, Le fant\u00f4me souriant (2026), 2 x 30\u2019, S16 mm su video, suono, LED. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t
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Dalla rovina come traccia del passato alla materia come progetto del futuro, l\u2019architettura rivisita le vestigie antiche di Roma per immaginare forme costruttive di natura ecologica in <\/span>Fiction constructive<\/span><\/i>, il frammento di muro concepito come espediente concettuale e realizzato a quattro mani dall\u2019architetta Alia Bengana e dal ceramista invitato Jacques Kauffmann (Marocco, 1954). A partire da un\u2019incisione di Piranesi, che rivela la logica dei muri romani – costituiti da paramenti in mattoni utilizzati come cassero per un nucleo di calce e pozzolana – l\u2019opera ne propone una reinterpretazione contemporanea. Il cassero in mattoni \u00e8 mantenuto, con terracotta di recupero e mattoni in terra cruda, mentre il riempimento minerale \u00e8 sostituito da una miscela isolante di terra e paglia. Stratificato e leggibile, il muro espone il proprio processo di realizzazione, mettendo in discussione i sistemi contemporanei ad alto impatto di carbonio e aprendo a una riflessione su materia, superficie, ornamento e collaborazione.\u00a0<\/span><\/p>\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t

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Alia Bengana e Jacques Kauffmann, Fiction constructive (2026), Frammento di muro, mattoni artigianali in terra cruda, mattoni industriali in terracotta, paglia, intonaco in terra cruda, travertino; Riproduzioni incisioni di Piranesi, collezione Villa Medici e Istituto Centrale per la Grafica. Photo Credits Daniele Molajoli<\/figcaption>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/figure>\n\t\t\t\t\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/div>\n\t\t\t\t\t<\/div>\n\t\t<\/section>\n\t\t\t\t<\/div>","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

Ingresso Mostra Oracoli al di l\u00e0 del mare, 18 giugno – 7 settembre 2026, Villa Medici, photo by Daniele Molajoli Promozione Villa Medici, Accademia di Francia a Roma 2025-2026 Mostra a cura di Imma Tralli e Roberto Pontecorvo (Marea Art Project) Curatrice associata: Camille Coschieri Borsist\u0259: Alia Bengana, Arianna Brunori, Diaty Diallo, Marin Fouqu\u00e9, Elitza […]<\/p>","protected":false},"author":1,"featured_media":8485,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"iawp_total_views":5,"footnotes":""},"categories":[3],"tags":[124,123],"class_list":["post-8480","post","type-post","status-publish","format-standard","has-post-thumbnail","hentry","category-segui-il-flusso","tag-accademia-di-francia-a-roma","tag-villa-medici","post-item","isotope-item","sr-item"],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/8480","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=8480"}],"version-history":[{"count":28,"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/8480\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":8619,"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/8480\/revisions\/8619"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/media\/8485"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=8480"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=8480"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.mareartproject.com\/en\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=8480"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}